2026年8月2日星期日

漫步雪梨_The Rocks Markets

今天主要是逛 The Rocks Markets

The Rocks Markets 可以說是雪梨最具代表性的市集之一，也是少數把「歷史街區」和「當代創作」結合得很成功的市集。

它不像一般以二手商品為主的市集，而是以 澳洲本地設計、手作工藝、藝術作品、美食 為核心。每個週末都有近百個攤位，販售插畫、陶藝、木工、珠寶、天然保養品、攝影作品，以及許多澳洲設計品牌。週末還有街頭音樂表演，整個區域充滿生活感。

更有意思的是，它就位於澳洲歐洲殖民歷史的起點——The Rocks。走在攤位之間，其實就是走在兩百多年的石板路上，旁邊還保留著許多砂岩建築、舊酒館與巷弄，因此逛市集的同時，也是在感受雪梨的歷史。

八月 The Rocks 的活動
Unlock The Rocks

今年八月整個 The Rocks 都推出了 Unlock The Rocks 主題活動，不只是市集，而是希望大家「重新探索」這個老城區。

活動從 8 月 1 日到 8 月 31 日，內容包括：

🔑 探索平常容易錯過的歷史巷弄與特色店家
🍸 很受歡迎的 $25 Cocktail Trail，串聯多家酒吧推出限定調酒
🎵 現場音樂、快閃表演與街頭娛樂
🛍️ Market 與商店的限定活動及優惠
☕ 鼓勵遊客放慢腳步，在咖啡館、藝廊與小店之間漫遊，發現不一樣的 The Rocks。

The Rocks 對很多觀光客來說，只是去看港灣大橋、雪梨歌劇院前順便經過的地方；但真正走進巷子裡，就會發現許多有故事的老建築、獨立設計小店和藝術空間，這才是它最迷人的地方。

▪️Shazia Imran Gallery

Shazia Imran Gallery
很常看到她畫的歌劇院和港灣大橋，
原來她的藝廊在這裡，進去逛逛。

Shazia Imran 最知名的是 Mixed Media（複合媒材） 創作。

她常把壓克力、水彩、肌理材料、拼貼等媒材結合在一起，讓畫面具有厚實的層次感。她的作品不是追求寫實，而是透過：

光影（Light）
色彩（Colour）
質感（Texture）
記憶（Memory）
潛意識（Subconscious）

來營造情緒與氛圍。

官方介紹提到，她希望觀者不是尋找唯一的答案，而是在作品中找到屬於自己的故事。

為什麼她在澳洲受到重視？

Shazia Imran 在國際雙年展相當活躍，曾獲得不少重要獎項，例如：

2015 佛羅倫斯雙年展（Florence Biennale）Lorenzo il Magnifico Award
2017 倫敦雙年展 Applied Arts Award
2018 義大利 Chianciano Biennale 首獎
2019 倫敦雙年展國際藝術評論家協會第二名

她的作品也被澳洲、美國、英國、香港、新加坡、泰國等地的公私收藏。

▪️Australian Steam Navigation Company Building

ASN Co Building

這棟建築可以說是 The Rocks 最具代表性的維多利亞時期商業建築之一。

它原本是做什麼的？

Australian Steam Navigation Company（ASN）成立於 19 世紀中葉，是澳洲早期最大的航運公司之一。

在蒸汽船剛興起的年代，它經營沿海航線，把：

羊毛
礦產
農產品
郵件
旅客

運送到雪梨、墨爾本、布里斯本、塔斯馬尼亞等各港口，可以說是當時澳洲的重要交通命脈。

因此，這棟建築並不是一般的辦公室，而是公司的總部兼倉庫（head office and warehouse）。貨物可以直接從碼頭卸下，再運進倉庫，非常符合當時港口商業運作的需求。

為什麼它這麼有特色？

這棟建築建於 1884–1885 年，由建築師 William Wardell 設計，屬於 維多利亞羅馬復興式（Victorian Romanesque） 建築。

它有幾個很鮮明的特色：

深紅色磚牆搭配砂岩飾帶
一座非常醒目的鐘樓
半圓拱窗（Romanesque arches）
厚重、穩固的立面
細緻的磚砌工藝

和雪梨許多以砂岩為主的殖民建築相比，它多了紅磚的溫暖，也因此格外有辨識度。

為什麼 Vivid Sydney 常拿它來投影？

Vivid 很喜歡選這棟，是因為它幾乎具備了光雕投影最理想的條件：

高聳的鐘樓可以成為視覺焦點。
磚牆與拱窗形成天然的幾何圖案。
建築立面層次豐富，投影後會有很強的立體感。

白天看，它是一棟充滿歷史感的建築；到了晚上，燈光又能把它變成另一件藝術作品。

「砂岩飾帶（sandstone dressings）指的是用砂岩做成的裝飾與結構細部，它們散布在紅磚之間，用來強調建築的線條和重點。

其實雪梨有一個很有趣的特色。

十九世紀的建築常常採用**「紅磚＋雪梨砂岩」**的搭配。雪梨附近蘊藏大量砂岩，所以它幾乎成了這座城市的代表建材。像 Sydney Town Hall、Queen Victoria Building、The University of Sydney 的許多歷史建築，都能看到這種紅磚與砂岩相互襯托的效果。

正面，也就是 Vivid Sydney 投影的這一面。

逛完 The Rocks Markets 便往 Campbells Cove 走去。

有人在拍MV

逛完這一側，可以往雪梨歌劇院那一側走去。

今天是星期日，人潮很多，往歌劇院走去的路上有很多禮品店！

星期天，天氣晴，人潮多

拍婚紗

結束這裡的行程，前往市區 Town Hall，繼續逛。

Monet to Matisse: Defying Tradition 畫冊導讀_Chapter1

這次特別從雪梨飛阿德雷德，到南澳美術館看這【Monet to Matisse: Defying Tradition 莫內到馬諦斯之顛覆傳統】的展覽，共三天兩夜，就住在美術館對街，買的是季票，這季可以多次進出，我連三天都去，好好做功課學習。最後買了畫冊回來，與 ChatGPT 一起閱讀！

讀到這一章的標題 Painting en plein air（戶外寫生）時，就覺得策展人很聰明。

一般人想到印象派，都會想到「光」、「色彩」、「筆觸」。但 AGSA 沒有用這些，而是直接用 Painting en plein air 當第一章，因為他們認為：

真正改變藝術史的第一步，不是畫法，而是藝術家走出了畫室。

Chapter 1　Painting en plein air（戶外寫生）

中文翻譯

十九世紀中葉，工業化快速發展，社會逐漸由農村轉向都市，人們的生活方式、價值觀與社會規範都發生了巨大改變。

藝術自然也反映了這段充滿變革的歷史。

1874 年，克勞德・莫內（Claude Monet）的《印象・日出（Impression, Sunrise）》在巴黎攝影師納達爾（Nadar）的工作室舉辦的展覽中亮相。這場展覽由「匿名畫家、雕塑家與版畫家協會」（Société Anonyme des Artistes Peintres, Sculpteurs et Graveurs）舉辦，後來被視為印象派正式誕生的重要時刻。

當時，評論家帶著嘲諷意味，將莫內的作品稱為 「印象（Impression）」，認為畫家只是隨便畫幾筆草稿，沒有真正描繪事物的「真實」。

然而今天，我們反而認為，莫內、雷諾瓦（Renoir）與西斯萊（Sisley）等藝術家，比起忠實描繪細節，更想捕捉眼前景物最真實、最直接的感受。

印象派畫家選擇走到戶外（en plein air）作畫，希望描繪自然環境中光線與色彩瞬息萬變的樣貌。

不同於前人只是先到戶外打草稿，再回畫室完成作品，印象派畫家直接在戶外完成整幅畫作。

快速、自由的筆觸，賦予畫面前所未有的生命力與動感，也讓觀眾彷彿置身於現場。

戶外寫生（en plein air）並不只是改變了創作方式，它也改變了藝術家的生活。

畫家們經常一起前往鄉間寫生，印象派逐漸成為一個彼此交流、共同創作的藝術社群。

這些寫生活動後來延伸到法國各地，也促成許多藝術家聚集形成藝術村（artists' colonies）。

印象派自由、平等、開放的創作氛圍，更吸引了來自世界各地的藝術家，包括北美與澳洲。

早期戶外風景畫家偏好使用深色底色，因此畫面往往顯得沉穩而厚重。

印象派則開始使用淺色底（light primed canvas），甚至直接在未上底的畫布作畫，使色彩更加鮮明、光線更加明亮。

這也得益於十九世紀科學與工業技術的進步。

化學顏料不斷發展，新的合成色彩陸續問世；顏料也開始以方便攜帶的金屬軟管（paint tubes）販售，畫家終於能輕鬆帶著顏料到戶外作畫。

那些如寶石般鮮豔的色彩，以及大膽對比的配色，逐漸成為印象派最鮮明的特色。

今天，印象派已被公認是藝術史上最具影響力的藝術運動之一。

莫內等人的作品受到全世界喜愛，甚至成為藝術史上最著名的畫作之一。

然而，這多少帶有一點諷刺意味。

因為在他們所處的年代，這些作品曾經飽受批評，被認為公然挑戰了當時被視為正統的藝術傳統。

ChatGPT 的筆記（這一章真的寫得非常精彩）

我覺得策展人有三個重點，值得慢慢體會。

① 印象派最大的革命，不只是畫風。

很多人以為印象派就是：

筆觸很鬆、顏色很亮。

但策展人說：

真正的革命，是畫家走出了畫室。

以前畫家是：

戶外打草稿 → 回畫室慢慢完成。

印象派則變成：

直接在陽光下完成作品。

這就是 en plein air 的真正意義。

② 科技改變了藝術。

這段我很喜歡。

如果沒有：

金屬顏料管（paint tube）
新化學顏料
工業革命

莫內可能根本不可能天天背著顏料跑到吉維尼花園畫《睡蓮》。

所以藝術革命，不只是藝術家的天才。

也是科技革命帶來的結果。

③ 被嘲笑，反而成了歷史。

最後一句真的很有力量。

當年評論家說：

「這只是 Impression（印象）而已。」

原本是嘲笑。

結果一百五十年後，全世界都叫它：

Impressionism（印象派）。

這讓我想到一句很喜歡的話：

歷史上許多偉大的創新，剛開始都不是掌聲，而是質疑。

Monet to Matisse: Defying Tradition 畫冊導讀_1

Directors' foreword（館長序）

南澳美術館（AGSA）座落於 Kaurna 原住民族的土地上；托雷多藝術博物館（Toledo Museum of Art）則位於美國俄亥俄州，多個原住民族祖先世代生活的土地，包括 Erie、Kickapoo、Odawa、Seneca，以及 Lenape、Miami、Ojibway、Peoria、Potawatomi、Sauk、Shawnee 和 Wyandotte 等族群。

這本畫冊是為《Monet to Matisse: Defying Tradition（從莫內到馬諦斯：挑戰傳統）》展覽而出版。展出的五十七件作品皆來自美國托雷多藝術博物館收藏，橫跨十九世紀至二十世紀，見證了歐洲與美國現代藝術一百多年的發展歷程。

許多人熟悉法國印象派鮮豔的色彩與自由奔放的筆觸，但這場展覽提醒我們，更重要的是那些藝術家如何一步步突破既有的藝術規範。從印象派開始，歷經後印象派、立體派、超現實主義，到抽象表現主義，每一次創新都重新定義了藝術，而這些影響至今仍然存在。

托雷多藝術博物館與南澳美術館有許多共同之處。兩館皆由具有遠見的慈善家創立，也都相信藝術應向所有人開放，並致力於收藏世界最高品質的藝術作品。

托雷多藝術博物館成立於1901年，收藏超過七萬件作品，被公認為美國最重要的藝術博物館之一；南澳美術館則成立於1881年，收藏超過四萬八千件作品，是澳洲歷史最悠久、最重要的美術館之一。

兩館的收藏都十分豐富，涵蓋從古代到當代藝術，也都收藏了許多具有國際重要性的作品，因此經常受邀前往世界各地展出。

《Monet to Matisse》集結了托雷多藝術博物館歷來最大規模的海外巡迴展作品，非常高興能首次與澳洲觀眾分享。同時，展覽也搭配南澳美術館自有收藏，包括馬內（Manet）、畢沙羅（Pissarro）、維亞爾（Vuillard）、馬諦斯（Matisse）、畢卡索（Picasso）與惠斯勒（Whistler）等人的紙本作品，讓觀眾能更深入理解 AGSA 收藏在國際藝術史中的位置與價值。

致謝（右頁）

《Monet to Matisse》由南澳州政府透過南澳旅遊委員會（South Australian Tourism Commission）合作支持，是 AGSA 冬季藝術系列（Winter Art Series）的第一檔展覽。

這項計畫將於2026年至2029年間，每年冬天帶來世界級國際展覽，希望進一步提升阿德雷德作為國際文化城市的地位。

館方特別感謝：

南澳州政府
美國俄亥俄州相關合作單位
托雷多藝術博物館策展與行政團隊
國際藝術服務（IAS）
展覽運輸與物流團隊
策展人 Tansy Curtin
所有參與此次大型合作計畫的人員

最後，畫冊也獻給 Annabel Anderson，以紀念她對本展的支持。

ChatGPT 補充（這一頁其實透露了一個重要訊息）

第一次讀時，最有感的是這一句：

Many people know Impressionism, but this exhibition reminds us that Impressionism was only the beginning.

雖然原文不是完全這樣寫，但整段真正想表達的是：

莫內並不是終點，而是起點。

這也是為什麼展覽名稱不是《Monet》，而是《Monet to Matisse》。

它不是辦一個印象派展，而是要帶大家看：

印象派如何一路發展成現代藝術。

所以後面你會看到：

Impressionism（印象派）
Realism（寫實主義）
Post-Impressionism（後印象派）
Fauvism（野獸派）
Cubism（立體派）
Surrealism（超現實主義）
Abstract Expressionism（抽象表現主義）

其實就是在講一百年間藝術如何一步一步改變。

Introduction（導言）

這兩頁其實就是整個展覽的核心概念。讀完之後，覺得策展人寫得很好，它不是在介紹作品，而是在回答一個問題：

「為什麼從莫內開始，最後會走到馬諦斯、畢卡索，甚至抽象表現主義？」

《Monet to Matisse》透過美國托雷多藝術博物館（Toledo Museum of Art）的收藏，帶領觀眾走進一段橫跨一百年的藝術創新與實驗。

托雷多藝術博物館是國際知名的美術館，目前正進行館舍整修，因此館藏中的許多經典作品得以首次展開海外巡迴。南澳美術館因此有機會將這批珍貴作品介紹給澳洲觀眾，而這也是極為難得的一次展出。

展覽精選五十七件作品，呈現十九世紀中葉至二十世紀中葉藝術的豐富樣貌與多元發展。觀眾將循著藝術史的脈絡，從早期印象派一路走向抽象表現主義，也將看見這些藝術理念如何跨越大西洋，影響美國藝術的發展。

藝術總是在回應它所誕生的時代。

這一百年間，世界經歷了劇烈的社會變遷，包括工業革命、科學與科技的快速進步，以及兩次世界大戰。這些事件深刻改變了人們生活的方式，也重新塑造了世界的面貌。

藝術家透過創作回應這些改變，試圖理解自己所生活的時代，並探索新的觀看世界的方法。

本次展覽也搭配南澳美術館館藏中的部分作品（主要為紙本作品），與托雷多藝術博物館的作品相互對話，使觀眾能更深入理解每位藝術家的創作實踐與思想世界。

展覽以十九世紀中葉作為起點，首先介紹兩個看似不同、卻同樣具有革命性的藝術運動——寫實主義（Realism）與印象派（Impressionism）。

兩者都希望擺脫當時學院派繪畫講究歷史敘事與理想化表現的傳統。

印象派畫家走出畫室，到戶外（en plein air）作畫，希望捕捉光線、色彩與大自然瞬息萬變的景象。他們並非追求精細描繪，而是透過快速而自由的筆觸，描寫自己對眼前景物的「印象」。

在當時，這種未完成般的畫風曾遭到不少批評；然而今天，印象派卻成為世界最受喜愛、最廣為人知的藝術流派之一。像莫內的《睡蓮》系列，更早已成為藝術史上的經典。

另一方面，寫實主義的藝術家則懷抱不同的理念。

他們希望藉由藝術揭露社會的不公平，描繪那些長久以來被藝術忽略的人們——例如農夫、工人，以及每天辛勤工作的平凡百姓。

藝術家開始認為，自己不只是創作者，也是社會的觀察者與改革的推動者。他們關注工業革命帶來的巨大衝擊，尤其是農村社會逐漸被都市生活取代所造成的改變。

隨著印象派與寫實主義之後，藝術進入了**後印象派（Post-Impressionism）**的時代。

這並不是單一風格，而是一系列不同藝術探索的統稱。

十九世紀末到二十世紀初，世界快速全球化，各種文化彼此交流，也伴隨著許多新的衝突與挑戰。

藝術家開始尋找新的表現方式，回應這個急遽改變的世界，同時重新思考自己與社會之間的關係。

進入二十世紀後，藝術家的創作變得更加大膽。

他們開始突破傳統再現的方式，不斷嘗試新的媒材與新的表現形式，甚至逐漸放棄具象描繪，朝向抽象藝術發展。

在這個充滿動盪的年代，人們努力理解自己與世界，而抽象藝術也成為藝術家探索內心世界的重要語言。

抽象藝術讓藝術家得以超越表面的現實，揭示更深層、更本質的真實。

另一方面，像立體派（Cubism）這樣的新藝術運動，則透過打破傳統的觀看方式，試圖重新理解世界，也呈現那個充滿變動年代中的不安與混亂。

這場展覽帶領觀眾展開一段發人深省的旅程。

透過藝術作品，我們得以看見那些生活在劇烈變革時代的人們，如何努力理解自己所處的世界，以及與他人之間的關係。

今日回望，我們會發現，這些藝術家所面對的問題，其實跨越了時間與地域，直到今天依然值得我們思考。

展覽中的美國藝術家，也提供了一個不同的視角。

十九世紀末至二十世紀初，許多美國藝術家前往巴黎與倫敦學習，與當時最重要的藝術家交流，吸收歐洲最新的藝術思想。

當他們返回美國後，又將這些理念融入自己的文化背景，發展出具有美國特色的現代藝術。

因此，本展不僅呈現歐洲藝術如何發展，也展示藝術思想如何跨越國界，在不同文化中持續演變。

《Monet to Matisse》讓兩座美術館——托雷多藝術博物館與南澳美術館——跨越半個地球展開對話。

展覽以五十七件來自托雷多的重要館藏，搭配南澳美術館精選作品，串起十九世紀至二十世紀現代藝術的發展歷程。

透過追溯各種藝術流派的誕生與演變，我們看見藝術家如何一次又一次挑戰既有的傳統與權威，同時也反映了社會的改變。

雖然展覽中的許多藝術家如今已是家喻戶曉的大師，但若將他們放回當年的歷史背景，就會發現，他們其實都是勇於突破框架、改變時代的先鋒。

讀完最大的收穫

這篇導言有一句話，幾乎可以當成整個展覽的總結：

Art exists within, and speaks to, the context in which it was created.

我會翻譯成：

藝術從來不是憑空誕生，它總是在回應它所處的時代。

南澳藝術之旅_Clarice Beckett_Petunias

Clarice Beckett（1887–1935）
Petunias
c. 1931｜Melbourne
Oil on canvas on cardboard

柔和的粉紫與乳白色矮牽牛，靜靜地插在一只花瓶裡，後方是一只帶有花紋的瓷盤。沒有繁複的背景，也沒有刻意的裝飾，畫面安靜得像一段午後時光。

《Petunias 矮牽牛》是 Clarice Beckett 少數以花卉為主題的靜物作品。她沒有追求花朵盛開時的華麗，而是以細膩的色調與柔軟的筆觸，描繪花瓣在光線中的微妙變化。

仔細觀看，花朵的輪廓並不銳利，花瓶與瓷盤也沒有刻意強調質感。她刻意讓物體的邊界融入周圍的空氣之中，使整個畫面充滿一種如呼吸般輕柔的氛圍。

對 Clarice Beckett 而言，靜物並非只是描繪物件本身，而是探索光線、色彩與空間之間的關係。平凡的一束花，在她筆下流露出寧靜而內斂的美感。

另外，分享一個小發現。

後面的瓷盤和前面的花瓶其實是同一組花紋？花瓶放在瓷盤前方，兩者幾乎融為一體，真正鮮明的反而是那幾朵粉白色的矮牽牛。

這是一個很巧妙的構圖。

如果是一般靜物畫，畫家可能會強調器皿的精緻紋飾；但 Beckett 反而把花瓶和瓷盤都柔化了，讓它們像背景的一部分，只留下花朵在空氣中微微浮現。這也呼應了她一貫的創作理念——主角不是物件，而是光線如何包覆著它們。

這也是我越看 Clarice Beckett 越喜歡的原因。她畫的不是「看見什麼」，而是「看見的感覺」。

南澳藝術之旅_Clarice Beckett_Wet sand, Anglesea

Clarice Beckett（1887–1935）
Wet sand, Anglesea
1929｜Anglesea, Victoria
Oil on board

夕陽剛剛沒入地平線，天空仍留著最後一抹餘暉，濕潤的沙灘映照著光線，與赭紅色的海岸岩壁交織成一片溫暖而靜謐的色彩。

《Wet sand, Anglesea》完成於 1929 年，是 Clarice Beckett 前往維多利亞州海濱小鎮 Anglesea 作畫期間的重要作品。她沒有描繪壯闊的海浪，而是捕捉夕陽消失後短短幾分鐘內，光線映照在海灘上的細微變化。

畫中的海灘、岩壁與天空沒有明顯的界線，而是在光線的折射下彼此融合，形成近乎抽象的色彩層次。簡潔的筆觸讓觀者的目光停留在光、空氣與色彩本身，而非景物的輪廓。

Clarice Beckett 曾致力於描繪自然中稍縱即逝的瞬間。對她而言，真正重要的不是風景本身，而是光如何改變我們看見世界的方式。

站在畫前，彷彿能感受到夕陽餘暉灑落在濕沙上的微光，以及海邊那片安靜得幾乎只剩下呼吸聲的黃昏。

南澳藝術之旅_Clarice Beckett_Passing Trams

這幅 《Passing trams》 和《Motor lights》可以說像是一組作品，一幅畫的是車燈，一幅畫的是電車，都在描繪 1930 年代墨爾本逐漸現代化的城市景象。但 Clarice Beckett 真正關注的，始終不是交通工具，而是光線、空氣與時間流逝。

Clarice Beckett（1887–1935）
Passing trams
c. 1931
Oil on board

在朦朧的暮色中，一輛電車緩緩駛過，車窗透出的微光與街燈交織成柔和的光暈。人物與建築幾乎隱沒在霧氣裡，只留下光影流動的痕跡。

《Passing trams》描繪的是墨爾本最熟悉的城市風景——電車。然而，Clarice Beckett 並沒有著重刻畫電車的外形，而是捕捉它穿越街道時，光線、霧氣與空氣交融的瞬間。

她經常在清晨、黃昏或陰雨天外出寫生，喜歡觀察自然光如何改變眼前的世界。對她而言，真正的主角不是街道，也不是電車，而是那些稍縱即逝、無法重現的光影變化。

畫面沒有喧鬧的城市節奏，反而流露出一種安靜而詩意的氛圍。平凡的日常景象，在她的筆下變得柔軟而富有情感，彷彿時間也放慢了腳步。

Clarice Beckett 曾將自己的創作追求稱為「自然的真誠」（the sincere rendering of nature）。她所描繪的不只是眼前的景色，更是光、空氣，以及那一瞬間難以言喻的感受。

把 《Motor lights》 和 《Passing trams》 放在一起看。

它們都是現代城市的題材，但 Beckett 完全沒有工業化的冰冷感。汽車、電車這些代表現代文明的事物，在她筆下反而變得安靜、溫柔，像是融入了霧氣與光線之中。也許正因如此，她的作品即使畫的是近百年前的墨爾本，今天看來依然有一種歷久彌新的寧靜。

2026年8月1日星期六

南澳藝術之旅_Clarice Beckett_Motor Lights

【畫家介紹】

第一次認識澳洲畫家 Clarice Beckett，是在2024年的南澳美術館，當時最吸引我的，是她作品裡那層若有似無的霧氣。

畫中的人物、街道、海岸與樹木，彷彿都籠罩在晨霧、暮色或細雨之中。沒有鮮豔的色彩，也沒有戲劇性的構圖，卻讓人不自覺放慢腳步，靜靜感受光線與空氣的流動。

Clarice Beckett（1887–1935）被譽為澳洲 1920 至 1930 年代最重要的畫家之一。她擅長描繪日常風景與靜物，作品不僅展現自然之美，更能喚起觀者細膩而深刻的情感。

她長期居住於墨爾本近郊 Beaumaris，經常在住家附近戶外寫生（plein air）。她特別著迷於一天之中不斷變化的光線，用極簡的筆觸捕捉晨曦、薄霧、黃昏與雨後的氛圍，在畫面中同時呈現「流動」與「靜止」、「瞬間」與「永恆」。

然而，這種近乎空氣般朦朧的畫風，在當時並未受到理解。許多人認為她的畫過於簡略、模糊，無法欣賞其中的美感。

Clarice Beckett 一生從未離開維多利亞州，但她廣泛閱讀，吸收當時國際間的科學、文學、哲學與靈性思想，使作品展現出超越地域限制的視野與敏銳感受。

1935 年，她在四十八歲時突然離世，作品也逐漸被世人遺忘。

直到 1970 年代，一次偶然的機會，人們重新發現她的大量作品，她的藝術價值才開始受到重視。這段從沉寂到重見天日的故事，也成為澳洲藝術史上最著名的「重新發現」傳奇之一。

2019 年，南澳美術館獲得收藏家 Alastair Hunter OAM 捐贈二十一件來自 Dr Rosalind Hollinrake 珍藏的 Clarice Beckett 畫作，之後又陸續獲得重要捐贈，如今已成為全球收藏 Clarice Beckett 作品最完整、最具代表性的美術館。