Monet to Matisse: Defying Tradition
畫冊導讀
p.200
Richard Diebenkorn 查理・迪本科恩（1922–1993）
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| Ocean Park No. 32,1970（海洋公園第32號） 創作地點：美國加州聖塔莫尼卡 媒材：畫布油彩（Oil on canvas） 尺寸：93 × 81 公分 收藏：美國俄亥俄州托雷多美術館（Toledo Museum of Art） 捐贈者：David K. and Georgia E. Welles |
p.200 內文翻譯
第二次世界大戰結束後，巴黎不再是藝術成就與實驗創新的中心。美國，尤其是紐約市，逐漸崛起成為全球藝術強權。迪本科恩正是在這樣的環境中踏入藝術界。
迪本科恩在美國西岸長大。第二次世界大戰期間，他曾服役於美國陸軍，並駐紮在紐約，因此有機會欣賞美國一些最重要的藝術收藏。
在藝術生涯初期，他與**抽象表現主義（Abstract Expressionism）**畫家有所聯繫，運用大膽的幾何形狀，探索光線與色彩在畫布表面上的表現。
然而，到了1950年代，他重新回到具象繪畫，並成為**灣區具象運動（Bay Area Figurative Movement）**的領導人物之一。這個藝術運動將抽象表現主義富有情感的表現方式，與較具象的繪畫手法結合在一起。
1967年至1988年間，迪本科恩創作了超過100幅名為《海洋公園》（Ocean Park）的系列畫作。這個系列以他工作室所在的加州聖塔莫尼卡海洋公園社區命名。
這些抽象畫的靈感來自他工作室窗外所見的海濱與建築景觀。不過，藝術家也坦言，相較於描繪實際風景，他更感興趣的是景觀帶給他的整體視覺感受與氛圍。
談到自己的創作時，他曾說：
「所有繪畫都始於一種心境，始於與事物或人物之間的關係，始於一種完整的視覺印象。」
作品賞析｜《海洋公園第32號》
1. 看似幾何抽象，卻有風景的影子
這幅作品最有趣的地方，是它介於抽象與風景之間。
我們可以試著從畫面尋找一些熟悉的視覺元素：
上方大片深藍色：容易讓人聯想到天空，或是深邃的海水。
左側藍綠色的斜面：像是建築的牆面，也可能令人想到海岸的延伸。
右側大片黃色：帶有陽光照射在建築外牆上的溫暖感。
中間的白色橫帶：彷彿一道光線、建築邊緣，或遠方的地平線。
但這些都不是畫家明確描繪的物件，而是觀者可以產生的聯想。
迪本科恩並不打算讓我們辨認出某一棟建築或某一片海灘。他想保留的是自己觀看這些景物時的感受。
2. 色彩與幾何形狀的平衡
這幅畫雖然有不少不規則形狀，整體構圖卻相當穩定。
尤其值得注意的是畫面中央的深藍色區域。
它的左邊是黃色弧形，右邊是筆直的白色線條，形成一個上寬下窄的深藍色形狀。
這種曲線與直線的對照，讓原本平面的幾何構圖產生了變化。
而畫面上方的大面積深藍色，則提供了視覺上的重量，使下方較明亮的黃色與藍綠色得以平衡。
整幅畫既有強烈的色彩對比，又沒有讓人覺得過於雜亂。
3. 畫面上留下的修改痕跡
我覺得這是這幅作品特別值得注意的地方。
左上方淺色區域隱約可見鉛筆或炭筆般的線條。
上方深藍色中，有不同深淺的藍色筆觸。
中間白色區域保留了交錯的細線。
下方黃色區域，也有曾經修改、覆蓋的痕跡。
這些痕跡讓我們知道，畫家並不是先畫好一張精確的幾何設計圖，再把顏色填進去。
他是在繪畫過程中不斷調整形狀、色彩與空間關係。
他沒有刻意掩蓋所有修改的過程，而是讓部分痕跡成為作品的一部分。
這也是迪本科恩的抽象繪畫與某些強調精確、平滑色面的幾何抽象作品不同之處。
4. 為什麼叫《海洋公園第32號》？
這裡的 Ocean Park 並不是指一座海洋主題樂園（笑）。
它是加州聖塔莫尼卡的一個社區名稱，也是迪本科恩當時工作室所在的地方。
《Ocean Park》系列從1967年開始，一直延續到1988年，是他藝術生涯中最重要的系列之一。
作品以編號命名，而不是使用《海岸》《天空》或《陽光下的建築》這類具象標題，某種程度上也避免了限制觀眾的想像。
第32號代表它是這個系列中的一件作品，並不是第32個海洋公園。
為什麼迪本科恩在藝術史上重要？
他的創作歷程很特別，因為他曾經在抽象與具象之間多次轉換。
1940年代
抽象表現主義
探索色彩、筆觸、幾何形狀與情感表達。
1950年代
灣區具象運動
重新描繪人物、室內空間與風景，但保留抽象繪畫的自由筆觸。
1967–1988
《海洋公園》系列
再度走向抽象，將加州海岸的光線、建築與空間感轉化為幾何色面。
這一點與我們前面讀過的一些畫家很不一樣。
迪本科恩並沒有認為抽象一定比具象進步，也沒有把回到具象看作倒退。他會隨著自己的創作需要，在兩者之間轉換。
而《海洋公園第32號》正是他成熟抽象風格的代表。
