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2026年10月5日星期一

Monet to Matisse: Defying Tradition_p140 伊利亞・博洛托夫斯基

Ilya Bolotowsky 伊利亞・博洛托夫斯基

伊利亞・博洛托夫斯基（Ilya Bolotowsky）
1907 年生於俄羅斯聖彼得堡；1981 年卒於美國紐約
《無題》（Untitled），1936–1937 年
創作地點：紐約市
油彩／畫布
76.2 × 101.6 公分
透過伍德沃德基金會捐贈資產交換取得
托雷多藝術博物館，俄亥俄州
館藏編號：2005.102

他想把兩種抽象形式放在一起

標牌只有基本資料，Toledo 官網則補充：博洛托夫斯基早期嘗試結合「幾何抽象」與「生物形態抽象」（biomorphic abstraction）——後者指的是讓人聯想到自然有機形態的抽象形狀。他創作這幅畫時，也已深受蒙德里安強調形式與色彩純粹性的觀念影響。

這兩種形式，在畫裡很容易辨認：

幾何形狀：傾斜的白色四邊形、黃色與深綠色塊、左下的黑色尖角。
有機形狀：右上白色區域裡那個彎曲的黑形，以及旁邊紫色的小形狀。

那個黑形可以讓人想到逗號、彎曲的身體或某種生物，但作品沒有指定它代表什麼。它的作用可以先從「柔軟的曲線，如何與尖角、直邊相處」來看。

這幅的平衡，來自不一樣的東西互相呼應

從原作照片看，右側大片白色與黑色曲線很醒目；左下則用黑色尖角、白色塊與橘色小圓形成另一組視覺重心。左上那組黃、綠形狀，讓上方的紅色空間不至於完全空下來。

幾個小色塊也值得留意：左下的橘色圓、右上的小紫形，以及左下較大的紫色色塊，會引導眼睛在不同區域之間移動。它們面積不大，卻能改變整幅畫的節奏。

官網提供的一句藝術家自述，正好能幫助理解他的方向：他追求的是自由的和諧與秩序，不要求對稱，也不採軍事式的整齊排列。他曾經歷第一次世界大戰與俄國革命，青少年時期便離開俄國；這些動盪經驗構成了他追求和諧的背景。

Monet to Matisse: Defying Tradition_p136 艾琳・賴斯・佩雷拉

Irene Rice Pereira 艾琳・賴斯・佩雷拉

Irene Rice Pereira 艾琳・賴斯・佩雷拉
1902 年生於美國麻薩諸塞州；1971 年卒於西班牙馬貝拉。
《伸展的平面》（Projecting Planes，暫譯），1947 年
油彩／畫布
76.5 × 101.9 公分
博物館購藏基金
托雷多藝術博物館藏

這個名稱裡的 planes 是幾何或空間中的「平面」，而 projecting 有向外突出、伸出的意思。因此，翻譯成「向外伸展的平面」，比較能接近畫面的空間作用。

Toledo 官網補充：佩雷拉受到立體主義與構成主義影響，並參與創辦「設計實驗室」（Design Laboratory）這所工業藝術學校。她受到包浩斯結合藝術、設計、科學與科技的理念啟發，要求繪畫學生也修習化學、工業力學與光學。

這可真是把「研究能帶入日常生活」

落實到課程裡了！

導覽牌翻譯：

艾琳・賴斯・佩雷拉
《伸展的平面》（Projecting Planes）
1947 年，紐約市
油彩／畫布
博物館購藏
托雷多藝術博物館，俄亥俄州

佩雷拉在紐約求學，以及遊歷歐洲的經驗，使她接觸到立體主義、構成主義與包浩斯的美學。這些藝術方向各自以不同方式運用幾何形式與非傳統材料。返回紐約後，她發展出自己的風格，並創辦工業藝術學校「設計實驗室」（Design Laboratory）。

這所學校的核心原則之一是「忠於材料」（truth to the materials）：接受藝術媒材本身的自然特性，不刻意掩飾它們。

《伸展的平面》展現了佩雷拉的幾何美學，以及她對材料可能性的探索。她選用輕薄的亞麻織布作為畫布，塗上一層薄薄的市售底料，讓布料的織紋仍然顯露出來。

接著，她逐層施加稠度不同的顏料。其中一層厚如糊狀，她用調色刀——形似小型泥刀的工具——沿水平方向帶狀塗抹，增加表面質感。

某些區域，例如右下角附近的珊瑚色直立長方形，具有細小顆粒般的表面。相較之下，平滑的黑色線條區域，則是以琺瑯漆製作的。

回頭看你的照片，這段說明就很具體了：

背景一條條水平的起伏，對應調色刀塗抹厚顏料的處理。
右下角珊瑚色小長方形，可以看見較細碎、顆粒狀的質感。
幾何色面與細線放在這些粗糙紋理上，形成平滑與粗糙、清晰與繁複的對照。

所以這幅值得看的不只是「哪些平面在前、哪些在後」，還有同一張畫裡，不同材料與塗法如何讓表面產生差異。導覽牌說的「忠於材料」，在這裡就是讓布像布、厚顏料保留厚度，讓它們自己的特性參與畫面。

Monet to Matisse: Defying Tradition_p134 拉斯洛・莫霍利－納吉

László Moholy-Nagy 拉斯洛・莫霍利－納吉

拉斯洛・莫霍利－納吉（László Moholy-Nagy）
1895 年生於匈牙利巴奇－基什孔地區的巴奇博爾紹德；1946 年卒於美國芝加哥
《AM2》，1925 年
油彩／畫布
95.6 × 75.1 公分
以利比捐贈基金購藏；基金由愛德華・德拉蒙德・利比捐贈
美國俄亥俄州托雷多藝術博物館藏
photo credit: https://emuseum.toledomuseum.org/internal/media/dispatcher/74903/preview

Toledo 官網翻譯

拉斯洛・莫霍利－納吉——姓氏後半部 Nagy 的發音近似「納吉」——主張藝術、科技與工業應相互結合，並相信這種結合能為社會帶來積極的影響與轉變。

1923 至 1928 年間，他在德國包浩斯任教。這所學校將藝術與設計整合，重新構想人們的生活方式；《AM2》便是在這段時期創作的。

在繪畫中，莫霍利－納吉經常建構抽象的建築式結構，讓具有不同透明程度的形狀彼此交疊。《AM2》營造出空間深度，鼓勵觀者重新想像二維平面所能呈現的可能性。

這段展牌把任教地點概括寫為 Dessau（德紹）；畫冊則提到 Weimar（威瑪）。翻譯時先保留兩份文字各自的表述。

畫冊內文翻譯

莫霍利－納吉於 1895 年出生在奧匈帝國的一座鄉村小鎮，後來成為二十世紀最具影響力的藝術家、教師與理論家之一。他成長於劇烈動盪的時代，這些經驗塑造了他激進的美學觀念。第一次世界大戰期間，他在軍隊服役；1916 年於義大利的一場戰役中，他是所屬砲兵連唯一的生還者。

如同許多同世代藝術家，莫霍利－納吉相信，社會需要一種新的藝術，才能重建世界、迎向更好的未來。他帶有烏托邦理想的願景，是將當代科技融入藝術與設計的各個層面。他宣稱：「新世界需要構成主義，因為它需要不帶欺瞞的基本原則。」這種信念促使他把工業材料與技術帶入抽象藝術；1923 年，他甚至將繪畫作品的製作委託給工業製造商。

1920 年代初期，莫霍利－納吉在德國威瑪的包浩斯學校任教，與創辦人瓦爾特・格羅佩斯密切合作，將科技納入課程。他的創作涵蓋多種媒材，包括繪畫、攝影、版畫、電影與動態雕塑，也跨足字體排印、產品設計、廣告與劇場等領域。

《AM2》就出自這個創作特別豐富的時期。莫霍利－納吉運用色彩、抽象形式與透明效果，呈現一系列複雜的幾何關係。可以說，這些形式與過去的藝術沒有關聯，而是呼應包浩斯試圖建立的新世界。納粹掌權後，他被迫離開德國，於 1937 年移居美國，並擔任芝加哥「新包浩斯」的校長。

這幅畫可以怎麼看？

最容易進入的地方，是下方那個大紅圓。

一條粗黑斜帶從上方穿下來，另一條從左下往右上橫過，兩者在紅圓附近交會。可是，你會發現：黑帶進入紅圓後，顏色變成深紅褐色，原本的輪廓仍然看得見。 於是紅圓看起來像一片有色的透明材料，疊在黑帶前面。

畫面左下還有一個淺色圓形，被藍色直帶、黃色區域與斜帶切分。有些部分清楚，有些部分彷彿被遮住，讓眼睛不斷判斷：「這一片在前面？還是那一條在前面？」

這就是展牌所說的「重新想像二維平面」：他運用色彩與交疊，讓一張平面的畫產生類似透明板、樑架相互穿插的感覺。這裡的透明效果是用油彩畫出來的，作品本身仍是油彩畫布。

另外，畫面也有兩種不同的力量：

黃色大色塊、藍色直帶與右上方的小黑方格，讓構圖有穩定的分區。
兩條粗黑斜帶與大紅圓，則讓視線移動，產生傾斜、交會的動勢。

右上角的小黃圓與十字形，也像是把下方「圓形加交叉線條」的關係縮小，再安排一次。不必把它認定成太陽、窗戶或機械零件；先看大小與位置如何互相呼應，就能讀到構圖的趣味。

至於畫冊談到的「改造社會」，單靠這幅畫，我們很難直接看出一套社會理想。 那是他的創作背景：他相信藝術家可以研究色彩、空間、材料與科技，再把這些研究帶入產品、建築及日常生活。

所以，這幅比較容易讓人實際體會的是：幾個簡單的形狀，透過交疊、透明與方向的安排，竟然能建構出這麼多空間關係。

《無題》（Untitled），1925 年，柏林
物影攝影（photogram）
19.5 × 17.1 公分（紙張尺寸）
南澳州政府撥款購藏，1984 年
南澳藝術館，阿德雷德

Photogram，通常譯作「物影攝影」或「無相機攝影」。它不需要相機，而是把物件直接放在感光紙上，或置於感光紙上方，再用光照射、顯影，留下物件遮光與透光的痕跡。

一般來說，完全遮住光的地方會較亮，充分曝光的地方會較暗；半透明材料、物件與紙面的距離，以及照光方向，都能改變影像的灰階與邊緣。

所以，上一幅《AM2》是用顏料畫出透明與交疊，這一幅則是直接利用光與物件來形成影像。

你可以先看下方兩排「GOERZ」字樣：上排像被壓扁，下排較完整；上方則有一個模糊、彷彿懸浮的亮色形狀。清晰的文字與模糊的物影放在一起，讓畫面同時有平面圖案和空間深度。

我們能看出：文字在這裡也成了可以排列、變形、與光影組合的視覺材料。 這就很容易讓人聯想到海報與廣告設計了。

Monet to Matisse: Defying Tradition_p132 蒙德里安

Piet Mondrian 皮特・蒙德里安

皮特・蒙德里安

1872 年生於荷蘭阿默斯福特；1944 年卒於美國紐約。

《紅、藍、黃、黑與灰的構圖》
Composition with Red, Blue, Yellow, Black, and Gray，1922
油彩、畫布，41.9 × 48.6 公分
美國俄亥俄州托雷多藝術博物館收藏
以利比捐贈基金購藏；愛德華・德拉蒙德・利比捐贈。

《紅、藍、黃、黑與灰的構圖》

1922 年，德國威瑪（Weimar）

油彩、畫布

托雷多藝術博物館收藏

蒙德里安將畫布表面分割為一個白色正方形，以及大小、色彩各異的長方形，並以粗黑線加以區隔。構圖元素只有幾何形狀；使用的色彩則只有黑、白、灰，以及三原色——紅、黃、藍。黑線在抵達畫布邊緣之前便停止，創造出一種曖昧的空間感，使形狀彷彿游移於向前突出與向後退縮之間。

這幅作品充分體現了蒙德里安在 1920 年代初發展出的鮮明而激進的繪畫風格。他放棄描繪可以辨認的題材，轉而探索線條、形狀與色彩之間的微妙關係，創造新的視覺語言。

蒙德里安將這種風格稱為「新造形主義」（Neoplasticism）。他相信，當相對的力量取得平衡時，便能呈現清晰與統一。他希望這些和諧的畫面能對社會產生正面的影響。

畫冊內文翻譯

荷蘭藝術家蒙德里安最初從事具象繪畫，遵循海牙畫派既有的印象派風格。海牙畫派是指 1860 至 1890 年間，在海牙生活與工作的一群藝術家，他們的作品受到法國寫實主義畫家的影響。

往返巴黎與荷蘭期間，蒙德里安見證了藝術表現迅速而劇烈的變化，以及藝術界對抽象日益增長的興趣。他的作品逐漸走向抽象；當他最終放棄描繪可以辨認的題材後，便深入探索線條、形狀與色彩之間的微妙關係，形成了今天廣為人知的獨特視覺語言。

「風格派」（De Stijl）於 1917 年成立，成員包括來自荷蘭萊頓、拉倫與沃爾堡三座城市的藝術家，蒙德里安是創始成員之一。大約在這個時期，他發展出自己稱為「新造形主義」（Neoplasticism）的風格。他認為，當相對的力量達到平衡時，便能呈現清晰與統一。

蒙德里安對靈性抱有興趣，尤其關注神智學運動。他相信自己的新造形主義風格與精神狀態有深刻的連結，也是表達信念的一種方式。

當這套美學逐漸成熟後，蒙德里安持續創作純粹抽象的繪畫：以粗細不同的黑線、原色的幾何形狀，以及大片白色區域構成畫面。他的作品被頻繁引用與模仿，使這種風格具有鮮明的象徵性，也讓他的作品成為現代主義的代表。

這幅可以怎麼看？

先看一個很有意思的地方：它看起來像格子，卻不是平均分配的格子。

左上是紅色，底部是一小段黃色，右側則是一條很窄的藍色。三種原色的面積與位置都不同，中間卻留出一大片淺色區域。黑線也有粗細差別，底部右側甚至成為厚重的黑色塊。

你可以把它想成幾種視覺力量在互相牽動：

紅色面積較大，集中在左上角，很容易先吸引目光。
黃色位於底部，形成一段明亮的橫向色帶。
藍色只露出窄窄一條，靠近右側邊緣。
黑線與黑色塊把各個區域連在一起，也增加畫面的重量。
中央大片淺色讓視線有停留與喘息的空間。

所以這裡的「平衡」，並不是左右一樣、上下對稱，而是不同面積、不同方向與不同顏色之間，取得一種不對稱的平衡。

另外，從這張畫冊照片看，中央似乎略帶灰色；但照片的光線與印刷會影響色調，先不要把所有淺色區域都當成同一種白。

**「新造形主義」這個名字，也可以先這樣理解：**他把繪畫的基本元素——線、色彩、平面——直接當成主角。這幅畫不需要讓我們認出一棵樹、一棟房子或一個人；要看的就是這些元素如何共同構成畫面。

看似只有幾條線和幾塊色彩，真正需要決定的卻是：線放在哪裡、畫多粗、色塊留多大，以及空白要占多少。這幅畫的內容，就在這些關係裡。

這裡有兩個值得補進筆記的重點：

一、黑線沒有全部延伸到畫布邊緣。
你看左側中間那條橫線，左端還留了一小段淺色空間；上方橫線左端也沒有穿過紅色區域。這些停頓讓線條不只是切割畫面的「格線」，也成為有起點與終點的形狀。導覽牌所說的前後浮動感，可以試著從這裡觀察，不必勉強自己一定看出立體效果。

二、他對「和諧」的期待延伸到了社會。
這就比「配色好看、構圖平衡」多了一層：他希望畫面裡不同元素共存、取得平衡的關係，也能表達他對社會秩序的理想。

神智學（Theosophy）和神學（Theology）

名稱	主要在探討什麼？
神學	系統性地研究神、宗教信仰與教義，例如基督宗教對上帝、救贖的理解。
神智學	探索宇宙、人的靈性與隱藏的智慧，試圖從不同宗教及哲學中尋找共同的真理。

畫冊提到的神智學，可以先理解成一種認為外在世界背後，還存在更深層精神秩序的思想。

2026年10月3日星期六

Circular Quay to Parramatta by Ferry

要不是之前有勞資糾紛，然後莫名其妙的搭船免費，我應該不會知道有條 Parramatta River 有 Ferry 可搭！

又因為之前去 Parramatta Park 看櫻花、桃花、紫藤，才知道這個城市是有一些歷史的。當時從車站一路走到公園裡的 Wistaria Gardens，Parramatta river 穿過公園，就沿著這條河岸走，很優美。Wistaria gardens 整理得很漂亮，公園內應該也種不少藍花楹Jacaranda，再過一兩個月，就換來這裡欣賞藍花楹了！

雖然整個航程有一個多小時，但是實在太美，感覺一下子就到終點站了！回程當然選火車，快多了！

這條 Parramatta River 讓我開竅，原來 Sydney 不只是一座海港城市，Parramatta River 像一條歷史軸線：從 Sydney Harbour 一路往西深入內陸。

Sydney 的 Ferry 是公共交通，倫敦有 Thames 的 Thames Clippers、紐約有 NYC Ferry... 所以 Sydney 當然不是唯一。

但 Sydney 特別漂亮的地方，是它的 Ferry Network 同時涵蓋了兩種非常不同的水域：
Sydney Harbour 的海港航行 + Parramatta River 的河川航行。

而且兩者是連續的。

這趟 Circular Quay → Parramatta 最迷人的地方：不是「在一條河上坐船」，而是從開闊的天然海港，逐漸進入愈來愈窄的河道。沿途城市型態也一直變——CBD、Barangaroo、Balmain、Cockatoo Island 一帶的工業遺產、住宅區、河岸綠地……最後抵達另一個高樓密集的城市中心 Parramatta。

Parramatta 不是一座保存得漂漂亮亮的「歷史小鎮」，而是一座仍然猛烈生長中的城市，歷史建築被新城市一層一層包起來。