Monet to Matisse: Defying Tradition
畫冊導讀
p.174
Camille Pissarro 卡米耶・畢沙羅（1830–1903）
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| Still Life 《靜物》 1867年，巴黎 油彩、畫布（Oil on canvas） 81.0 × 99.6 公分 收藏：美國俄亥俄州托雷多美術館（Toledo Museum of Art） |
AGSA 現場導覽牌翻譯
《靜物》是本展區年代最早的作品。
卡米耶・畢沙羅的《靜物》揭示了十九世紀藝術家對顏料物質特性的實驗，如何為二十世紀的抽象藝術鋪平道路。
雖然這幅畫的構圖仍遵循傳統靜物畫的安排方式，描繪的也是常見物品——陶瓷盤中的一塊火腿、蘋果、麵包、懸掛的廚房用具，以及玻璃醒酒瓶中的紅葡萄酒——但畢沙羅刻意讓顏料的塗抹痕跡清楚可見，使觀眾注意到這幅作品是經由繪畫創造出來的，而非真實物品本身。
他使用調色刀（palette knife），一種類似小型泥刀的工具，將大量顏料直接塗抹在畫布上。
他並沒有將顏料抹平，而是保留厚重、富有肌理的顏料層，使畫面呈現近乎雕塑般的立體質感。
因此，除了畫中所描繪的場景，這幅作品真正的主題，其實也是繪畫本身的創作過程。
作品賞析
1. 畢沙羅這幅畫，與我們熟悉的印象派很不一樣
1867年，印象派尚未正式形成。第一屆印象派展覽要到1874年才舉行。
這幅畫沒有明亮的戶外陽光，也沒有印象派常見的細碎筆觸。
反而使用大量棕色、灰色、黑色，搭配少量黃色與白色。
整體色調沉穩，甚至有些粗獷。
這讓我們看見畢沙羅早期創作的另一面，也可以感受到當時寫實主義畫風的影響。
2. 畫中的東西都很普通，但畫法很不普通
仔細看你拍攝的原作，尤其是白色桌布、右邊的麵包，以及後方的土黃色牆面。
顏料並沒有被均勻地刷平。
牆面： 留有明顯的刮痕和不規則的顏料堆積。
桌布： 厚厚的白色顏料形成凹凸起伏的表面。
麵包： 以厚重的棕色顏料堆疊出外皮的質地。
玻璃瓶： 以黑色、灰色與白色的筆觸表現反光，並沒有細緻地描繪透明玻璃。
尤其桌布前方垂下來的部分，灰白色顏料的刮抹痕跡相當明顯。
這正是導覽牌所強調的「顏料的物質性」（materiality of paint）。
3. 為什麼導覽牌會提到抽象藝術？
這是這幅畫最值得理解的地方。
傳統繪畫往往希望觀眾透過畫面，看見被描繪的物品，而忽略顏料本身。
但是畢沙羅刻意留下厚厚的顏料和刮刀痕跡。
因此，我們看見的不只是麵包、酒瓶和桌布，也看見了畫家如何使用顏料。
到了二十世紀，許多藝術家更進一步探索顏色、線條、筆觸、顏料厚度等元素，不再認為繪畫一定要描繪具體物品。
這就是導覽牌所說的：十九世紀對顏料的實驗，為二十世紀抽象藝術鋪路。
不過要注意，畢沙羅這幅畫仍然是具象繪畫，並不是抽象畫。 它的重要性在於對繪畫材料與表現方式的探索。
畢沙羅並不是第一位使用調色刀作畫的藝術家。 而且在他1867年完成這幅《靜物》之前，就已經有畫家大膽運用這種技法了。
其中最值得認識的，就是我們之前讀過的 古斯塔夫・庫爾貝（Gustave Courbet，1819–1877）。
一、調色刀原本是做什麼的？
調色刀（Palette Knife）原本主要用來混合顏料、清理調色盤。
後來畫家也會直接用它在畫布上塗抹顏料。
它與畫筆最大的差別是：
畫筆： 容易留下線條、柔和的過渡與筆觸。
調色刀： 可以一次鋪上大量顏料，形成厚度，也能刮出平坦或銳利的痕跡。
二、庫爾貝比畢沙羅更早使用
庫爾貝在1850年代已經大量實驗調色刀技法，尤其在岩石、海浪、山壁等題材中，運用厚重顏料表現粗糙的質感。
他甚至會結合畫筆與調色刀，讓顏料本身形成接近實物表面的效果。
畢沙羅早年受到庫爾貝的寫實主義影響，因此1867年的這幅《靜物》，可以放在這個技法發展的脈絡中理解。
三、那麼畢沙羅的特別之處在哪裡？
不是發明了調色刀，而是他把這種強烈的顏料肌理運用在一幅非常普通的室內靜物畫上。
你看照片中的白桌布，已經不像傳統繪畫那樣追求柔軟、平滑的布料質感，反而讓我們清楚看見顏料堆積的痕跡。
這也是策展人把它放在「重新想像熟悉的事物」這一章的重要原因。
還有一點值得區分：厚塗技法（Impasto）不一定需要調色刀，畫筆同樣能夠堆出厚重顏料。
所以，調色刀是工具，厚塗是技法，兩者有關，但不是同一回事。
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