Monet to Matisse: Defying Tradition
畫冊導讀
p.182
Yves Tanguy 伊夫・唐吉
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| Pierre première（《原初之石》，1947） 油彩、畫布（Oil on canvas） 71.1 × 58.4 公分 收藏： Toledo Museum of Art（托雷多美術館） 入藏： 由 Libbey Endowment 基金及 Edward Drummond Libbey 遺贈資助購藏 photo credit: https://emuseum.toledomuseum.org/internal/media/dispatcher/48039/preview |
畫冊內文翻譯
從奇里訶的作品開始
伊夫・唐吉在二十歲出頭時，偶然接觸到喬治・德・奇里訶（Giorgio de Chirico）的作品，激發了他的美學興趣，也促使他決定成為一名畫家，儘管他從未接受過正式的美術學院訓練。
約在1924年，唐吉結識了超現實主義藝術家安德烈・布勒東（André Breton）及其同代藝術家。布勒東當時正以超現實主義宣言，倡導一種「純粹的心理自動主義」藝術，試圖挑戰既有知識與理性，透過自動繪畫，釋放藝術家潛意識中的思想與影像。
從巴黎走向紐約
1938年，唐吉在倫敦的 Guggenheim Jeune 畫廊舉辦了他的第一次重要回顧展。
這是美國收藏家佩姬・古根漢（Peggy Guggenheim）首次經營的畫廊。她是超現實主義及其他激進現代藝術形式的重要支持者，尤其關注從超現實主義本身發展出來的抽象表現主義。
1939年，隨著法國落入納粹德國勢力之下，唐吉移居紐約。
夢境般的荒涼風景
唐吉以精細而繁複的 trompe l'œil（錯視畫法）風格，創造出令人不安、荒涼而如夢似幻的風景，這些作品中似乎隱藏著無盡的視覺世界。
他的畫面通常只有少量物件：孤立、如哨兵般矗立的無定形物體，或是由難以辨認的生物形態組合而成、奇異甚至怪誕的群聚。
1935年的《Passage of a Smile》（《微笑的經過》）與1947年的《Pierre première》（《原初之石》），展現了唐吉獨特的視覺語言——他在陌生的形體之中，探索潛意識深處的意義。
唐吉的風景始終荒涼、陰冷，帶著一種超越現實的氣息。畫面中的光線使觀者產生一種感覺：自己正被吸引進一個不受傳統現實規則約束的空間。
作品賞析｜《原初之石》
1. 看似真實，卻完全不合理的世界
這幅畫最有趣的地方，就是唐吉將兩種截然不同的視覺經驗放在一起。
天空畫得十分細膩，雲層有光影變化，遠處地平線逐漸沉入黑暗。這些都讓我們覺得，眼前似乎是一個真實存在的空間。
可是前景那些物體呢？
它們有的像石頭、有的像骨骼、有的像植物，也有些像融化後重新凝固的金屬。
我們似乎可以辨認出某些局部，卻始終無法確認整體究竟是什麼。
這正是唐吉的超現實主義特色：他不是把現實畫得模糊，而是把不存在的東西畫得極其真實。
2. 中央黑色尖塔的作用
畫面最醒目的，應該就是中央那根細長、筆直的黑色尖塔。
它和周圍圓潤、扭曲、柔軟的形體形成強烈對比。
而且它幾乎沒有複雜的表面紋理，形狀極其單純。
這根尖塔有三個重要的視覺作用：
建立畫面的中心： 讓原本散亂的奇異物體產生秩序。
製造高度與距離： 它向天空延伸，使我們更能感受到空間的深遠。
增加神祕感： 它像紀念碑、尖塔，也像某種未知的標誌。
但唐吉並沒有告訴我們它究竟代表什麼。
3. 這些物體為什麼有立體感？
這是我覺得值得仔細觀察的地方。
唐吉運用相當傳統的明暗塑造技巧，讓這些不知名的物體具有重量與體積。
你可以注意左側那個巨大的銀灰色形體。
它表面有非常柔和的亮部、灰色陰影，以及帶著粉紅色的反光。旁邊那些彎曲的形體也都有明確的明暗交界。
因此，雖然我們不知道它們是什麼，卻會相信它們確實佔據著三度空間。
這也是畫冊所說的 trompe l'œil（錯視畫法）。
它並不是指真的在牆上畫出一扇窗戶騙過觀眾，而是利用高度逼真的繪畫技巧，讓不可能存在的東西看起來彷彿真實存在。
4. 為什麼畫面那麼荒涼？
唐吉幾乎沒有描繪任何可辨識的人類生活痕跡。
沒有建築物、道路，也沒有一般意義上的植物或動物。
右下角遠方還有一個小小的孤立形體，與前景那一大群物體保持著距離。
這種安排使畫面顯得異常寂靜。
而且你會發現，畫中沒有強烈的動作，也沒有明確正在發生的事件。
這不是一幅敘述故事的畫，而像是一個凝固的夢境。
唐吉與奇里訶有什麼關係？
畫冊開頭特別提到唐吉受到 Giorgio de Chirico（喬治・德・奇里訶）的啟發。
這一點很值得注意，因為你在前面章節已經讀過奇里訶的作品。
兩人確實有相似之處：都喜歡空曠、寂靜、不合常理的場景。
但表現方式不同。
奇里訶 | 唐吉 |
|---|---|
經常出現廣場、拱廊、雕像 | 經常出現無法辨識的有機形體 |
保留許多現實建築元素 | 幾乎完全脫離現實世界 |
像一座神祕而無人的城市 | 像一片未知星球的地貌 |
唐吉從奇里訶那裡得到的，並不是某一種造型，而是如何透過看似平靜的畫面，創造難以解釋的神祕感。
關於「心理自動主義」的一個補充
這裡有個容易誤解的地方。
超現實主義提倡的 Psychic Automatism（心理自動主義），強調不受理性控制地釋放潛意識。
但是唐吉的畫作卻非常細緻，甚至需要長時間描繪。
這並不矛盾。
自動主義可以影響藝術家產生形象的方式，並不代表整個繪畫過程都必須快速、隨意或不加修飾。
唐吉可以讓奇異形象從想像與直覺中浮現，再利用高度精細的技巧將它們完成。
因此，他的畫面才會同時具有「不合理的內容」與「合理的光影」。
我還想特別指出這幅畫的一個特色：畫面上半部幾乎完全留給天空。
天空佔了相當大的面積，卻沒有鮮豔的色彩，也沒有戲劇性的雲層。反而是下方那些奇異形體，因為這片空曠而顯得更加孤獨。
一、什麼是自動主義（Automatism）？
先說最重要的一句話：
自動主義，就是盡量不讓理性思考控制創作，讓腦海中的念頭、感覺或形象自然浮現。
例如，我請你畫一棵樹。
一般情況下，你會先想到樹幹、樹枝、葉子，然後把它們畫出來。
這是有意識、有目的的繪畫。
但如果採用自動主義的方法，你可能不先決定要畫什麼，而是直接拿起筆，讓線條隨著當下的直覺移動。
畫著畫著，某個形狀可能讓你想到樹，也可能想到一個人，甚至是從來沒有見過的東西。
重點不是畫得像不像，而是盡量減少「我應該畫什麼」的控制。
二、那麼「自動繪畫」（Automatic Drawing）是什麼？
自動主義是一種創作觀念；自動繪畫則是實踐這種觀念的方法之一。
你可以想像以下這個小實驗：
拿一張白紙和一支筆。
不預先想好要畫什麼。
讓筆在紙上自由移動，畫曲線、圈圈或不規則的線條。
暫時不要判斷好不好看，也不要急著修改。
最後再看看，這些線條讓你聯想到什麼。
這就是一種簡單的自動繪畫練習。
但它並不是說畫家真的失去意識，或手完全不受大腦控制，而是有意識地降低理性規劃與自我審查。
三、這跟超現實主義有什麼關係？
1924年，安德烈・布勒東（André Breton）在《超現實主義宣言》中提出「純粹心理自動主義」（Pure Psychic Automatism）。
他認為人的思想不只有理性的一面，還有夢境、自由聯想，以及平常不容易察覺的潛意識活動。
超現實主義藝術家希望透過這些方法，探索不受日常邏輯限制的想像世界。
例如 André Masson（安德烈・馬松）便曾利用快速、自由的線條進行自動繪畫。
你看這類作品，線條彼此交錯，有時可以辨認出人物或生物，有時卻很難說清楚究竟畫了什麼。
這就是讓線條先出現，再從中發現形象的創作方式。
四、可是唐吉的畫明明很精細，怎麼會是自動繪畫？
這正是最容易混淆的地方！
回到你現在讀的《原初之石》（1947）。
唐吉畫中的物體具有細膩的明暗、立體感和精確的邊緣，顯然不是拿起筆隨意畫幾下就完成的。
我們要區分兩個階段：
形象的產生： 可以受到直覺、自由聯想、夢境或潛意識的啟發，不一定先設定物體的意義。
作品的完成： 畫家仍然可以運用非常理性、精確的繪畫技巧，把那些奇異形象描繪出來。
因此，唐吉的作品受到超現實主義自動主義思想影響，卻不能直接把《原初之石》整幅畫稱為嚴格意義的自動繪畫。
而且我們也不能只憑畫面，就確定他每一個形體是如何構思出來的。
我覺得還有一個很有意思的區別：
自動繪畫不是「隨便畫」，而是「暫時不決定自己要畫什麼」。
這兩句話看似差不多，藝術上的意義卻不同。
不過，你可能會接著想到一個問題：既然畫家最後還是會選擇、修改、安排構圖，那不就又回到理性控制了嗎？
沒錯！這也是超現實主義自動主義在實際創作中始終存在的矛盾：完全不受理性干預的藝術創作，究竟有沒有可能？
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