Stanton Macdonald-Wright
史坦頓・麥克唐納－萊特
1890–1973，美國藝術家
 |
| 《Synchromy, Blue-Green》 《色彩交響曲：藍－綠》 1916 油彩、畫布 91.6 × 71.3 cm Toledo Museum of Art |
這裡的 Synchromy 先不要急著普通地翻成「同步」；它其實是 Macdonald-Wright 和 Morgan Russell 創造的一個藝術名稱，來自他們共同發展的 Synchromism。
導覽牌翻譯
1913 年，Stanton Macdonald-Wright 與另一位藝術家 Morgan Russell，以立體主義與色彩理論為基礎，開始突破抽象繪畫的界線。他們捨棄現實世界中的題材與可辨識的形象，試圖完全透過色彩來表達觀念。
他們將自己的風格稱為 Synchromy（意為「與色彩共存／色彩的協調」），這是由美國藝術家所建立的最早抽象藝術運動之一。
Macdonald-Wright 在創作《Synchromy, Blue-Green》的1916年曾解釋：
「我努力讓自己的藝術擺脫所有軼事性的內容與圖解式的表現，並將它純化，使觀者的情感能夠完全成為『審美性的』，就像聆聽音樂一樣。」
這幅畫正是這些藝術觀念最典型的呈現。畫面只表現鮮明的色彩，但構圖仍然充滿動勢並具有吸引力。左上方聚集的暖紅色與橙色，彷彿向外放射能量，與佔據畫面大部分區域、不規則而偏冷色調的形狀形成對比。
這裡最關鍵的一句其實就是：
「就像聆聽音樂一樣。」
原來這就是為什麼叫 Synchromy
Macdonald-Wright 和 Morgan Russell 想做一件很有意思的事：
音樂不需要畫出一棵樹、一個人、一個故事，也能讓你產生情緒；那麼繪畫為什麼一定要畫某個東西？
於是他們把：
音高、和聲、節奏 → 換成色彩、明暗、形狀與色彩之間的關係。
所以 Synchromy 這個詞，本身就是刻意讓人聯想到 symphony（交響曲）。
你可以把這幅《Blue-Green》想成一首「用顏色寫的音樂」。
這也解釋了為什麼作品名稱不是：
山、人物、巴黎街景、靜物……
而只是 Blue-Green。
「藍－綠」有點像音樂作品裡標示一個調性——告訴你這件作品主要在哪一套色彩關係中運作。
可是你現場拍的這張非常有意思
看第二張你自己在 AGSA 拍的照片，我反而覺得比畫冊容易理解。
因為畫冊把顏色壓得比較深；現場可以清楚看到那些色塊不是硬邦邦的幾何圖形，筆觸還在，而且很多色塊邊緣是柔軟、互相滲透的。
所以它跟我們剛剛讀過的立體主義其實不太一樣。
立體主義常常是：
把「物體」拆開 → 重新組合。
Macdonald-Wright 則開始變成：
乾脆不要物體 → 直接用色彩組織畫面。
這就是跨進 Pure abstraction 的那一步。
而且你如果盯著這幅畫久一點，會發現它其實不是亂放色塊。
左上方那一團黃、橙、紅非常亮，像一個能量中心；然後色彩沿著斜線往右、往下移動。中間大量藍、綠、紫把速度稍微壓住，下面又突然出現一條非常強烈的橙紅色。
所以眼睛會：
左上 → 中央 → 右側 → 下方 → 再被橙紅色拉走。
這就是他所謂接近音樂的地方：不是「看懂一個物件」，而是感受到一段視覺節奏。
而且有一件事我覺得你讀到這裡會特別有感：我們前面一路從 Signac、Delaunay、Picasso 走過來，色彩、形體已經一點一點從「替現實服務」鬆綁了。到這一頁，畫冊乾脆把題材拿掉。
所以第五章一翻頁就放 Macdonald-Wright，邏輯其實很清楚：
「畫的是什麼？」這個問題開始變得不重要；「顏色和形狀本身能不能成為藝術？」才是問題。
一幅畫即使什麼都不描繪，仍然可以讓人產生感覺。
這幅如果你站在現場看還有感，那就更有意思了——因為它其實已經成功做到他1916年自己說的那件事。你根本不需要先知道他的理論，就已經被色彩抓住了。
沒有留言:
張貼留言